Feliz Navidad!

Como última entrada del año os dejo este anuncio del Valencia CF, que cada año nos sorprende con su particular felicitación navideña, muy emotiva. 

                                    

Evarist Navarro

La muestra de Evarist Navarro (Castelló de Rugat, 1959) arranca con un deslumbrante despliegue de sus ultimas obras, potentes y complejas, equilibradamente formal, en efecto, acompañadas de una secuencia de acuarelas en orden fílmico, como fotogramas puntuales de sus obras.

Nos sitúa en su espacio intimo de su taller: su mesa de trabajo i el resto de elementos constructivos. Figuras a medio hacer, en proceso tentativo de creación expresiva. Devuelve el fango y la arcilla trabajados a partir de una vieja tradición que no ignora el sutil trabajo del vidriado y esmalte, la transparencia casi especular a que el artista somete la materia informal para construir un paisaje tridimensional, volumétrico.

También de ladrillo industrial es la residencia del artista, la elipse truncada en la que unas robustas estructuras de hierro delimitan la chimenea, y la fortaleza defensiva en la que se oculta el artista aparecen representados en la sala.

Al final el artista nos devuelve al fango esencial, originario, en el cual una parabola ascendente modelada con atención, cerrada por una cúpula metálica, convexa i equívoca, que hace la función de cielo protector.

Surreal vs Surrealismo

El nacimiento del psicoanálisis dio vida a un vasto movimiento de pensamiento que, en el ámbito del modernismo del siglo XX, ha tenido la importancia de una auténtica revolución. La revolución psicoanalítica ha ejercido un fuerte influjo sobre la cultura y las costumbres del siglo XX y continúa ejerciéndolo también en nuestros días. La toma de conciencia colectiva del papel desarrollado por el inconsciente en la cotidianidad del individuo concreto y la influencia ejercida por la Interpretación de los sueños de Freud ha constituido, ya en la primera mitad del siglo XX, el principal punto de referencia de los surrealistas, que, a su vez, han ejercido su influjo sobre el arte de las décadas siguientes. El cambio sustancial tiene lugar a finales de los años setenta, como consecuencia de los primeros efectos de las transformaciones sociales debidas a la revolución telemática. Poco tiempo después, Internet, la televisión vía satélite, photoshop y los nuevos descubrimientos científicos cambiarían la percepción de lo real. 

Cuadro que simbolizaba la familia sagrada, todos muertos.

Escultura hiperrealista, que al acercarte,
podías apreciar como el niño tenía dos
lápices clavados en las manos.

Estatua con dos bultos que representan la rabia.

 Es en este contexto donde se ha afirmado la postmodernidad y una visión global del mundo, que ve profundamente modificadas las relaciones entre los individuos de diversas culturas y áreas geográficas, en el arte –aunque no sólo en arte–, donde el Surrealismo y sus ramificaciones han cedido el paso a lo Surreal. Es decir, si el Surrealismo ofrecía imágenes de visiones oníricas, reconocidas de inmediato como improbables en la realidad de lo cotidiano, lo Surreal ha propuesto, en cambio, imágenes reales que cuesta aceptar como verídicas, hasta el punto de confundirlas erróneamente con visiones oníricas o de fantasía. De este modo, si el Surrealismo ha sido el espejo de los trastornos del inconsciente del individuo, que se proyectan en lo real bajo la forma de una obra de arte, lo Surreal es el espejo de lo real que se proyecta en el inconsciente del individuo, creando trastornos.

Escultura obra de Marc Quinn, el mismo que
 se autorretrató con su propia sangre.

 En este sentido, la exposición pone el acento, particularmente, en imágenes que muestran situaciones verídicas que, por el contrario, son percibidas como fruto de la fantasía. La exposición pone de relieve cómo, mientras las concepciones surrealistas desarrolladas desde el comienzo de los años veinte del siglo pasado están todavía presentes en las obras de diversos artistas importantes de hoy, muchos otros han desarrollado una concepción estética influenciada por los lenguajes de los instrumentos telemáticos de masas. La exposición utiliza por primera vez el término “Surreal” en contraposición a “Surrealismo”, dando así comienzo a una elaboración crítica inédita.

Especie de escultura que era un vídeo proyectado.

La exposición está dividida en cuatro secciones cronológicas, cada una de las cuales presenta obras pertenecientes a una década distinta, desde los años ochenta a nuestros días. La verdad es que fue la exposición que más me gustó de las que he visto durante el cuatrimestre, junto a la de Ciria, y que aconsejo a los que no hayan ido a visitarlas que vayan ya que vale la pena, ya que además, solo cuesta 1 euro.

Uno de los cuadros que más me gustó, de cerca es impresionante.

Vista de la última sala, destaca el cuadro central "La felicidad".

Para finalizar os dejo el vídeo que más me gustó de los dos, la verdad es que es impresionante, duraba 22 minutos y estuve allí como si hubieran sido cinco, y os animo a que lo veáis allí, aunque si alguno no quiere ir lo puede ver aquí, ya que lo he encontrado entero.

Visita nocturna a la Ciudad de las Artes y las Ciencias

              Eran las 8 y media de la noche, y a mi compañero Ignacio Florez y a mi no se nos ocurrió otra cosa que ir a ver si había alguna exposición en la Ciudad de las Artes y las Ciencias, en efecto, la había... y qué exposición! Encontramos 3 temáticas diferentes entre las que podíamos diferenciar: El jardín de la Astronomía, Exposición de Jean Claude Farh y una exposición de "pilares de la Alhambra"

          Al llegar a L'Umbracle, lo primero que nos encontramos al subir por las escaleras a la izquierda fue el llamado "Jardín de la Astronomía", en él encontramos objetos característicos del estudio de la astronomía así como representaciones escaladas de como se puede ver en esta imagen, la Luna.

         En cuanto a la exposición de pilares de la Alambra podríamos comentar que son formas muy orgánicas en las que predomina la utilización de color así como la volumetría de las mismas. Al contrario de las formas que se verán a continuación en la exposicion de Jean Claude Farh, en estas figuras se puede ver como están conformadas por distintas formas eminentemente de superficie curva, puesto que el carton-piedra tiene la propiedad de poder ser más moldeable que el acero corten que posteriormente utilizará Farh en su exposición

               Para terminar la visita a la Ciudad de las Artes y las Ciencias, nos acercamos por la exposición de Jean Claude Farh. Como podemos observar son formas con acabado de acero corten, debido a la utilización de dicho material conformación de formas viene dada por planos, pues superficies curvas son de dificil ejecución con dicho material.

Interior

Como foto de interior os dejo la biblioteca del Arqua, en Cartagena, conocido por todos nosotros, gracias a nuestras queridas AFO y DAR. La verdad es que es una pieza muy interesante, a doble altura, con un pasillo al que se accede por dos escaleras situadas en los extremos y en el que hay más estanterías con libros, en la otra parte se encuentran distintos despachos de investigación. La entrada de luz natural indirecta está proporcionada por unos lucernarios orientados a norte, por lo que se trata de un lugar muy agradable para la consulta de distintos libros.

 

Para terminar os dejo un dibujo de AFO del año pasado de esta misma biblioteca:

Habitar el color. Matilde Alonso.

En nuestra escuela tuvimos la oportunidad de poder visitar la exposición de Matilde Alonso hasta el pasado octubre, oportunidad que aproveché dada la cercanía de la exposición. Esta tuvo lugar en la sala de exposiciones de la ETSAV, donde casi siempre tenemos la ocasión de poder ver varias exposiciones de distintos tipos, ya que se va renovando constantemente.

Vista general exposición.

Vista general exposición.

Matilde Alonso, al igual que nosotros, estudió Arquitectura en la UPV. Realiza trabajos de investigación en el campo de la urbanística, y ha participado en algunos libros, así como en otras actividades editoriales en revistas especializadas y artículos de prensa. Además también participa en exposiciones de urbanismo y arquitectura, debates, mesas redondas, encuentros docentes, congresos y seminarios internacionales, como Máster Universitario en Historia del Arte y Cultura Visual.

Además de todo esto, Matilde Alonso compagina su profesión y pasión como profesora de urbanismo, con su vocación artística y en esta exposición llamada “Habitar el color”, podemos encontrar algunas de sus obras, más de 70 concretamente, por lo que se trata de una exposición extensa, en la que las obras se encuentran agrupadas por afinidades cromáticas en nueve espacios expositivos: rosa, blanco, verde, amarillo, azul, rojo, naranja, ocre y  gris, como paleta de colores predominantes en sus pinturas. Las obras están realizadas en acrílico sobre tabla de madera en su mayoría, aunque algunos cuadros, de mediano y pequeño formato, están pintados sobre tela, y se encuentran colgados apoyados directamente sobre las paredes blancas de la sala, fundiéndose con ellas.

Ejemplo de abstracción.

Figuras femeninas, azul como color predominante.

Rostros humanos.

Paisaje.

Vista urbana abstracta, amarillo predominante.

 La mayoría de los cuadros describen aproximaciones a figuras de mujeres y algunos rostros, pero hay varios ejemplos de abstracción y paisaje urbano. La figura del caballo también aparece en la muestra, aunque muy esquematizada.

Caballos.

Vistas urbanas, gris predominante.

Como complemento, cada cuadro de la exposición está acompañado por un micropoema de Miriam Bermejo González, estudiante de último curso de Arquitectura, autora asimismo del poema 'Habité tu color', impreso en el cartel de la exposición, junto con un breve fragmento de una entrevista realizada por la catedrática de Historia del Arte de la Universitat de València y comisaria de la exposición, Carmen Gracia, a la propia pintora Matilde Alonso, quién dice que "el arte nos ayuda a alejarnos de un mundo recorriendo los caminos de la imaginación y de los deseos".
La verdad es que es una exposición que me gustó, con cuadros muy interesantes y de un estilo muy personal, que hubiera aconsejado para ser visitada.

Exposición: José Manuel Ciria

Visité la exposición de José Manuel Ciria en el Instituto Valenciano del Arte Moderno (IVAM), donde, de entre otras exposiciones fue la que más me llamó la atención, fue la que más me transmitió.

El arte de Ciria varía de la abstracción a la figuración, entrelazando ambas, debido, en parte a su traslado de Madrid  a New York. Fue influenciado por Marcel Duchamp así como por Kazimir Malevich y el Suprematismo.




Es un artista que crea tanto pintura como mosaico,en los que reúne varias técnicas pictóricas. Me pareció interesante el uso distintos tipos de materiales, como lona plástica tanto como lienzo como material para el mosaico, o un espejo que incorpora en uno de sus mosaicos.

Un aspecto interesante es el uso del color, varía de tonos oscuros o grisáceos, a veces usados de fondo, a tonos muy intensos como el rojo o el amarillo. Me gutaron mucho las tonalidades rojizas que crea y las fusiones entre algunos colores que crea.

Otro aspecto que se observaba en la obra de Ciria es la importancia que cobra la cabeza humana, a veces escenificadas como máscaras, y otras como tal.

Ciria realiza un estudio de la cabeza como elemento geométrico y como recuerdo a la figura humana, así experimenta con el color, la línea y el geso pictórico.

 En la última sala de la exposición están situadas las obras de mayores dimensiones, las más impactantes, entre ellas las que aparecen a la derecha en la imagen, unas grandes cabezas humanas en laboradas con un mosaico de lonas plásticas y pinturas creando distintas sombras

 La exposición estaba situada en distintas salas conectadas entre ellas, con las paredes blancas, excepto una de las salas que tiene una pared pintada de negro en las que se situan tres obras con tonalidades blancas.

 Las obras están iluminadas mediante focos colgados del techo y en una de las salas, mediante un lucernario en el centro.

Como he dicho, en general, me pareció una muy buena exposición, las obras abstractas me encantaron, descubrí un estilo de arte realmente interesante de un artista desconocido para mí. Quedé muy satisfecho con la exposición.

Fotografía - Retrato

La foto que he escogido como retrato forma parte de mi álbum familiar ya que me parece una imagen muy graciosa.
En ella aparecemos, de izquierda a derecha, yo, mi primo Adrià con su perro Salva y mi hermano, Josep.

Estará tomada hace unos 11 años en mi casa, una tarde de verano en las que solíamos disfrazarnos y entretenernos por los pasillos de mi casa. Esa vez, mi hermano y mi primo, que eran mayores, cogieron dos sombreros de mejicano pero para mí ya no quedaban! Entonces tuve la brillante idea de coger parte de una lámpara, para usarla como sombrero!

Esta foto, que me trae buenos recuerdos de la infancia fue tomada por mi padre, ya que le hizo gracia la cómica situación.

EL DIBUJO COMO PENSAMIENTO – ROBERT MORRIS

Robert Morris nació en Kansas City, Missouri, el año 1931. Inicia su trayectória en la pintura, pero luego se traslada al terreno de la performance, a la escultura de objetos, el arte minimalista, al trabajo con la tierra y a las instalaciones.

Los primeros dibujos de Morris estudian la figura humana. En 1960 abadona la pintura y se traslada a Nueva York, dónde se une a un círculo de jóvenes artistas influenciados por Marcel Duchamp. Entre 1961 y 1963 crea objetos enigmáticos basados en dibujos preparatorios y también guiones para performances con sonido y movimiento.

Los primeros volúmenes geométricos simples de Morris estan relacionados con elementos del attrezzo teatral. En 1964 realiza una série de volúmenes en madera pintados de gris que llenan el espacio de Green Gallery, interactuando con él. En un principio estas permutaciones se inspiran en Brancusi.

El 1969 Morris se encuentra entre los primeros artistas, justo con Robert Smithson, que utilizan la tierra como material para hacer obras específicas para una ubicación.

Morris trabaja dos grupos de calcos. Los primeros los realiza a partir de impresiones de objetos de su estudio, como una copia de los Cuadernos de Leonardo da Vinci. El segundo grupo esta formado por impresiones de partes de su cuerpo.

Tiene obras basadas en las obras de Goya, las cuales reinterpreta, como Los desastres de la guerra que realizó entre 1810 y 1815 sobre acetatos con los ojos bendados.

Entre 1973 y 2006 realizó una serie de dibujos también con los ojos bendados en los que incluye textos filosóficos. En una serie posterior, Grief, se inspira en los informes de las torturas de Guantánamo. L a rotulación especular nos recuerda a Leonardo da Vinci.

A partir de 1972 la imagen de laberinto aparece con frecuencia en sus dibujos y realiza su primer laberinto permanente en el parque de la Fattoria di Celle a la Toscana, Italia.